毕尔巴鄂古根海姆博物馆是用()技术设计的_毕尔巴鄂古根海姆博物馆

1.古根海姆博物馆的发展历史

2.古根海姆现代艺术博物馆历史介绍一下？

3.欧洲的文艺青年如何救了一座城？

4.求赖特的纽约古根海姆博物馆图数据，CAD图集~在线等~

5.应该支持艺术家吗

6.著名的现代艺术博物馆古根海姆博物馆总部坐落在哪个国家

7.古根海姆博物馆的产业影响

一、

美国纽约市的所罗门.R.古根海姆博物馆坐落在一条街道的拐角处，全称所罗门·R·古根海姆博物馆，是古根海姆美术馆群的总部。该建筑是纽约著名的地标建筑，由美国20世纪最著名的建筑师弗兰克·劳埃德·赖特（Frank Lloyd Wright）设计，建筑坐落在纽约市一条街道的拐角处，与其他任何建筑物都迥然不同，可以说外观像一只茶杯，或者像一条巨大的白色弹簧，可能是因为螺旋线结构也有人说像海螺。

这座极其漂亮、无与伦比的建筑建成于1959年。建筑物的外部向上、向外螺旋上升，内部的曲线和斜坡则通到6层。螺旋的中部形成一个敞开的空间，从玻璃圆层顶光。该博物馆保存了所罗门.R.古根海姆有现代艺术收藏品，因此该馆以个的名字来命名。许多展品由金属杆悬挂着，看起来似浮在空中。按照传统，博物馆在沿大厅四周的墙 上展览艺术作品。但古根海姆打破了传统的惯例。

古根海姆博物馆的外部非常朴实无华，只是将博物馆的名字装饰了一下。平滑的白色混凝土覆盖在墙上，使它们仿佛更像一座巨大的雕塑而不是建筑物。

建筑物的外部向上、向外螺旋上升，内部的曲线和斜坡则通到6层。螺旋的中部形成一个敞开的空间，从玻璃圆层顶光。美术馆分成两个体积，大的一个是陈列厅，6层；小的是行政办公部分，4层。陈列大厅是一个倒立的螺旋形空间，高约30米，大厅顶部是一个花瓣形的玻璃顶，四周是盘旋而上的层层挑台，地面以3％的坡度缓慢上升。参观时观众先乘电梯到最上层，然后顺坡而下，参观路线共长430米。美术馆的陈列品就沿着坡道的墙壁悬挂着，观众边走边欣赏，不知不觉之中就走完了6层高的坡道，看完了展品，这显然比那种常规的一间套一间的展览室要有趣和轻松得多。

该博物馆保存了所罗门·R·古根海姆有现代艺术收藏品，许多展品由金属杆悬挂着，看起来似浮在空中。按照传统，博物馆在沿大厅四周的墙上展览艺术作品。但古根海姆打破了传统的惯例。

二、

西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆由美国加州建筑师弗兰克·盖里（FFrank O.Gehry）设计，在19年正式落成启用，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目。在20世纪90年代人类建筑灿若星河的创造中，毕尔巴鄂古根海姆博物馆无疑属于最伟大之列，与悉尼歌剧院一样，它们都属于未来的建筑提前降临人世，属于不是用凡间语言写就的城市诗篇。

该博物馆全部面积占地24000平方米，陈列的空间则有11000平方米，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130米乘以30米见方。整个博物馆结构体是由建筑师藉助一套为空气动力学使用的电脑软件逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该久以来的造船业传统遥相呼应。

该博物馆选址于城市门户之地——旧城区边缘、内维隆河南岸的艺术区域，一条进入毕市的主要高架通道穿越基地一角，是从北部进入城市的必经之路。

从内维隆河北岸眺望城市，该博物馆是最醒目的第一层滨水景观。面对如此重要而富于挑战性的地段，盖里给出了一个迄今为止建筑史上最大胆的解答：整个建筑由一群外覆钛合金板的不规则双曲面体量组合而成，其形式与人类建筑的既往实践均无关涉，超离任何习惯的建筑经验之外。在盖里魔术般的指挥下，建筑，这一章已凝固了数千年的音乐又重新流动起来，奏出令人瞠目结舌的声响。

在邻水的北侧，盖里以较长的横向波动的三层展厅来呼应河水的水平流动感及较大的尺度关系。因为北向逆光的原因，建筑的主立面终日将处于阴影中，盖里聪明地将建筑表皮处理成向各个方向弯曲的双曲面，这样，随着日光入射角的变化，建筑的各个表面都会产生不断变动的光影效果，避免了大尺度建筑在北向的沉闷感。

在南侧主入口处，由于与19世纪的旧区建筑只有一街之隔，故取打碎建筑体量过渡尺度的方法与之协调。更妙的是，盖里为解决高架桥与其下的博物馆建筑冲突的问题，将建筑穿越高架路下部，并在桥的另一端设计了一座高塔，使建筑对高架桥形成抱揽、涵纳之势，进而与城市融为一体。以高架路为纽带，盖里将这栋建筑沛然莫御的旺盛生命活力辐射入城市的深处。

博物馆的室内设计极为精彩，尤其是入口处的中庭设计，被盖里称为“将帽子扔向空中的一声欢呼”，它创造出以往任何高直空间都不具备的、打破简单几何秩序性的强悍冲击力，曲面层叠起伏、奔涌向上，光影倾泻而下，直透人心，使人目不暇给，百不能指其一。在此中庭下，人们被调动起全部参与艺术狂欢的心理准备，踏上与庸常经验告别的渡口。有鉴于赖特在纽约古根海姆博物馆设计中对艺术展品不够尊重的教训，盖里的展厅设计简洁静素，为艺术品创造一个安逸的栖所。

古根海姆博物馆的发展历史

古根海姆博物馆是世界上著名的私立现代艺术博物馆，创办于1937年，以连锁方式经营，是一个博物馆群，总部设在美国纽约，在西班牙毕尔巴鄂、意大利、德国柏林和美国拥有4处分馆。

“博物馆群”仿佛是古根海姆的专属符号，与传统定义上的博物馆不同，古根海姆博物馆更像是一个异军突起的非典型性私人美术馆，作为非营利的永久性机构，为社会发展提供服务的同时，为艺术的可能性提供了更多的机会。

由美国加州建筑师弗兰克·盖里（Frank O.Gehry）设计，在19年正式落成启用，它以奇美的造型、特异的结构和崭新的材料立刻博得举世瞩目。在20世纪90年代人类建筑灿若星河的创造中，毕尔巴鄂古根海姆博物馆无疑属于最伟大之列，与悉尼歌剧院一样，它们都属于未来的建筑提前降临人世，属于不是用凡间语言写就的城市诗篇。

该博物馆全部面积占地24000平方米，陈列的空间则有11000平方米，分成十九个展示厅，其中一间还是全世界最大的艺廊之一，面积为130米乘以30米见方。整个博物馆结构体是由建筑师藉助一套为空气动力学使用的电脑软件（从法国军用飞机制造商达索公司引进，名叫CATIA）逐步设计而成。博物馆在建材方面使用玻璃、钢和石灰岩，部分表面还包覆钛金属，与该久以来的造船业传统遥相呼应。

古根海姆现代艺术博物馆历史介绍一下？

美术馆的建立者正是所罗门·R·古根汉姆（Solomon R. Guggenheim），他生于19世纪的美国一个十分有影响力的、靠煤矿工业积累财富的瑞士血统家族。按照有教养人的习惯，在精英云集的环境下，古根汉姆和他的妻子，Irene Rothschild，在博爱和审美的传统中长大，成为热心的艺术赞助人，并积累起很多古代大师的作品。但在1927年，当古根汉姆第一次遇见年轻的德国贵族女子Hilla Rebay von Ehrenwiesen，并听取其介绍的欧洲当代绘画中一种实验性的潮流，使他的收藏方向发生了戏剧性的转变。

Rebay接受非具象是一种新艺术风格和审美哲学的诞生的观点。在美学上从经验世界获取形式的抽象观点与纯艺术创造上的非具象二者之间，Rebay选择了后者，相信其中充满了神秘的内涵。非具象一词是Rebay从德国术语Gegenstandslos翻译而成，表示文学性的，“没有对象的”词语来源于康定斯基的理论作品，所表达的最高美感和精神法则对于Rebay而言，产生了重要的影响。“前所未有的”，Rebay在她第一次叙述艺术的使命时写道，“还有比绘画中从具象到非具象在从物质到精神的过程中更伟大的前进步伐么？因为我们注定要更有创造性，转向精神世界是我们的命运。人文主义将得到发展并自然而然地从伟大的艺术上感受到更多的能量，这便是非具象杰作的辉煌。”

在Rebay充满的言语感染下，在对这相对未知领域进行收藏的先进想法的引导下，古根汉姆从1929年开始系统性地购买非具象艺术家的作品。早期购买的作品包括罗伯特·德劳内（Robert Delaunay）、瓦西里·康定斯基、费尔南达·雷格尔(Fernand Leger）以及纳吉（Laszlo Moholy-Nagy）。生于俄国的艺术家康定斯基是最早阐释这种纯粹的非模仿绘画的人之一，他的作品最终奠定了整体收藏的方向。艺术家布满颜色的画布上充斥着生动的集中或对比的形式，展示了康定斯基在其最广泛流传的理论著作中定义的抽象哲学，在《论艺术精神》(Uber das geistige in der kunst 1911）和《论点、线、面》（Punkt und linie zu flache 1926）中，把颜色比作音乐声调，形状比作不同感情的载体，他发明了其所指的艺术家内在需求的正式的语言表达体系。

很快，古根汉姆酒店套房的墙上就挂满了新的收藏。随之，他的考虑重点必然转向了能够公开展出这些作品的可能性，并在1937年建立了所罗门·R·古根汉姆基金会，其目的是为了“艺术上的促进、鼓励和教育以及启蒙大众”。在拥有基金会以后，古根汉姆预想了一个设计成可以容纳不断增长的艺术收藏的博物馆建筑。在他的下， Rebay很快开始怎样可以最好的实现他们的梦想。她自20世纪30年代以来与古根汉姆的通信中都充满了建立一个非具象艺术的“美术馆-殿堂”的与提议。

最后，在1939年，古根汉姆在纽约曼哈顿东54街租下了一个旧的汽车展示室。Rebay在建筑师William Muschenheim的协助下把其改造成为一个功能齐全的临时展览空间，命名为非具象绘画美术馆。馆里只展示了一些最单纯的抽象艺术的绘画；一些被认为是先驱艺术家的抽象派或具象派作品，如夏加尔(MarcChagall），也包括在这一时期的收藏中，但仍留在古根汉姆的酒店套房中，并未参加展览。美术馆获得了很大成功，同时Rebay作为第一任馆长，欢迎并支持很多年轻的美国抽象画家，并展示了他们的作品。

在1943年，为了满足日益繁荣的非具象美术馆的要求，Rebay决定开始新的征程：建立一个永久性的建筑以容纳古根汉姆的藏品和举行基金会的活动。她选择了众所周知的美国建筑师赖特（Frank Lloyd Wright），他的有机建筑回应了Rebay对于非具象的理念：一种作为对创作者灵魂的直接表现而实现的，充满理性与理想化意味的新生的艺术。赖特最初设计的美术馆在1946年向媒体公布，但是由于各种阻碍，如战后通货膨胀、对建筑的重新规划、美术馆位置的转变以及1949年古根汉姆的去世，导致这一建筑并不能在接下来的13年内完成。1952年，机构正式改名为所罗门·R·古根汉姆美术馆以纪念它的建立者。 “非具象绘画美术馆”，这一具有明确美学范围指向的名称修改成一个更中性同时更有纪念意义的名称，反映了所罗门·R·古根汉姆美术馆在其捐赠者逝世期间的某些制度上的反思。1948年，美术馆购买了专营西班牙绘画的纽约艺术经纪人Karl Nierendorf的全部财产，从而使古根汉姆的收藏增加了730件，其中包括康定斯基的作品18件、克利(Paul klee) 的作品110件、夏加尔的作品6件以及费宁格（Lyonel Feininger) 的作品24件。但这次购买也许对于古根汉姆的未来发展是更加重要的，Nierendorf以丰富的表现主义和超现实主义作品为主的藏品扩展了古根汉姆的原有收藏方向。

在1950年代早期，美术馆展览的范围的局限遭到广泛的批评，尽管Rebay经常被年轻的新艺术家接受和拥护，但多数人还是认为她关于非具象艺术的评价标准过于偏激和局限。认识到Rebay的继续任职并不会给展览政策带来任何有效的改革，委员们在1952年通过要求她辞职的决议，并在7个月以后，宣布Johnson Sweeney继任她空出的位置。原MOMA绘画与雕塑部的主任Sweeney ，以他比Rebay更宽阔的艺术视野与感受力，接受了他新的管理与策划的角色。他认为艺术品的收藏应同时包括非具象艺术之外的整个现代艺术史的发展。为了弥补美术馆收藏的严重空缺，如被Rebay以有形存在为理由而否认的雕塑收藏的空白，他开始一项充满野心的购买。自Sweeney1960年任职以来，11件布朗库西(Constantin Brancusi）的作品、3件亚历山大·阿契本科（Alexander Archipenko）的作品、7件考尔德(Alexander Calder）的作品、恩斯特(Max Ernst）和贾科梅蒂(Alberto Giacometti）的青铜雕刻以及其他重要作品，如塞尚(Paul Cezanne）的《抱着双臂男子》（Man with crossed arms），抽象表现主义的德库宁（Willem de Kooning）、克莱因(Franz Kline）、波洛克（Jackson Pollock）等的作品均被购买。除了Sweeney购买的藏品之外，美术馆还接受了拥有杜尚作品的Societe Anonyme建立者Katherine S. Dreier的遗产捐赠。

当赖特的建筑在1959年10月21开放之后，无数人在排队体验建筑的同时参观了精彩的展示美术馆精品的开幕展览。多年来，艺术家和博物馆策展人发现赖特建筑特别的展示空间是个受欢迎的挑战。当赖特打算用单纯的曲线组成封闭的结构，为博物馆设施安排、展览展示和艺术的审视与思考提供了一种新的可能性。

在美术馆开放不久，Sweeney辞职。1961年，Thomas M. Messer组建了新管理层，并扩大了Sweeney在现代化以及专业化博物馆人员及结构管理上的努力。在他27年的任期中，Messer开始一个雄心勃勃的公共出版项目，不仅关注短期展览，同时对于新增收藏品做出深入细致的图录，以及组建为学术研究提供的机构。在Messer的领导下，展览部与技术部因增加的展览与出版活动而扩展。在收藏上，他继续Sweeney创立的全面的增长趋势，布朗库西、考尔德、贾科梅蒂、克利、库普卡（Frantisek Kupka）、雷格尔、米罗(Joan Miro）以及席勒(Egon schiele）的作品作为现代艺术的重要范例进入了美术馆的收藏。在更为当代的范畴中，Messer负责购买了几幅他所喜爱的艺术家杜布菲（Jean Dubuffet）以及培根(Francis Bacon）、基弗(Anselm Kiefer）、罗伯特·劳申伯格（Robert Rauschenberg）和大卫·史密斯（Did Smith）的作品。在他的任期中，Messer还购买了作为国际前卫艺术激烈倡议者的拉丁美洲以及东欧艺术家的作品。

博物馆的收藏在1963年接受了Justin K. Thannhauser收藏的印象派、后印象派以及现代法国杰作作为永久借展作品，而发生了戏剧化的增长。这些绘画和雕塑在Thannhauser去世两年之后，18年正式进入博物馆的收藏。Thannhauser的遗产为古根汉姆美术馆原有收藏之前的艺术时期作了重要的历史表述，并且增加了博物馆对于毕加索和巴黎画派艺术家的收藏。凡·高的《圣雷米的群山》（Mountains at Saint-Remy）和毕加索的《熨衣服的女子》（Woman Ironing）是Thannhauser捐赠中的两个杰作，但只占其总数的一小部分。1981年，Hilde Thannhauser，Justing的遗孀，宣布这份捐赠增加三幅作品，分别为布拉克（Georges Braques）、毕加索和凡·高的作品。在Hilde于1991年去世后，美术馆又接受了她的捐赠，共包括十幅重要作品，分别为塞尚、克利、马奈、帕斯金（Jules Pascin）、毕加索以及莫奈的绘画，其中莫奈的作品是博物馆关于莫奈的第一件收藏。为了能够更充分展示Thannhauser1963件赠送的绘画以及雕塑作品，古根汉姆美术馆在展览空间上作了必要扩展——Justing K. Thannhauser展厅于1965年被设置在Monitor大楼二层，Monitor是1989年为Thannhauser重命名的。

在为美术馆杰出收藏而做出长远性贡献的收藏家名单上，一定有Peggy Guggenheim。尽管Peggy Guggenheim美术馆是一个自治的体系，并在地理上与纽约古根汉姆美术馆相距甚远，但自16年Peggy Guggenheim把她的艺术收藏以及容纳藏品的豪华住宅作为遗产赠送给纽约古根汉姆后，Peggy Guggenheim Collection成为所罗门·R·古根汉姆基金会完整的一部分。紧邻大运河的Plazzo Venier dei Leoni里陈列的收藏变成了最受尊重的可参观的文化景点。Peggy Guggenheim对于被其叔叔所罗门忽略的风格趋势的重视——也就是超现实主义和早期战后美国“姿态风格绘画”（gestural painting）——使其收藏中的300多件风格多样的作品中，大部分是纽约古根汉姆原有收藏中所没有的。当两者和为一体后，其收藏形成了跨大陆的整体，并开始追寻20世纪艺术复杂多元化的历史。他们的联合奠定了机构国际化的方向。 1988年之后，在博物馆馆长Thomas Krens的领导下，古根汉姆增加了它的运营范围以及继续一个针对扩大它的照片和当代艺术收藏上的充满野心的购买。在1992年，赖特的建筑重修并且增加了一幢新楼，新增了相当全面的展览空间，从而使赖特的圆型大厅以及Thannhauser展厅充分显示出其光彩。同时，古根汉姆SOHO在曼哈顿下城开幕，增加了将近2700平方米的当代多媒体艺术的展览空间。

19年，通过毕尔巴鄂古根汉姆（Guggenheim Museum Bilbao）、德国柏林古根汉姆（Deutche Guggenheim Berlin）的建立，增加整个机构的国际场馆。由古根汉姆管理，Basque建立的毕尔巴鄂古根汉姆，是一个把毕尔巴鄂变成主要大都会的长远的一部分。其由盖里设计美术馆，在世界范围内被誉为是建筑上的杰作，并且戏剧化地显示了古根汉姆实现其基本目标——收藏和展示我们时代的艺术的能力。新美术馆拥有古根汉姆购置的埃德瓦多?奇伊达（Eduardo Chillida）、德库宁、珍妮霍尔泽（Jenny Holzer）、罗斯科（Mark Rothko）、里查德·塞拉（Richard Serra）和安东尼·塔皮埃斯(Antoni Tapies）等等的作品，逐渐增加的藏品补充和提高了古根汉姆现有收藏。盖里设计的宽敞展厅适合用来展示那些大多会挑战传统博物展厅容量的大型的20世纪后半期艺术。美术馆还设有专为当代Basque和西班牙艺术家提供的展厅，毕尔巴鄂古根汉姆美术馆为古根汉姆和当地的艺术培养一种特殊的关系提供了条件。

德国柏林古根汉姆是古根汉姆和德意志银行合作产生的，设在一个位于柏林historic Unter den Linden的私人展览空间内。这个古根汉姆的展览是一些经策划的展览或者特定的国际闻名的艺术家的作品展览的轮换，如杰弗昆斯(Jeff Koons）、罗森奎斯特（James Rosenquist）、蕾切尔·怀特理德（Rachel Whiteread）等。

在 2001年，当库哈斯设计的两个场馆在开放，古根汉姆的博物馆网扩展到了美国西部：古根汉姆（the Guggenheim Las Vegas)，一个超大的为特殊展览而设的展示空间，其展览包括当代艺术、建筑和设计以及古根汉姆爱尔米塔什美术馆的收藏。在毕尔巴鄂古根汉姆的基础上，在的新美术馆里更新了伟大艺术和宏伟建筑结合的纪录，从赖特与Hilla Rebay以及所罗门?古根汉姆的合作开始，经盖里与毕尔巴鄂古根汉姆美术馆的合作，古根汉姆再次与库哈斯在拉斯韦加斯新美术馆上的协作，又一次给世界提供了这个时代的最杰出的欣赏艺术的建筑空间。

通过不断扩大的如星群般的艺术欣赏空间网络，每一个组成部分都闪耀着它独特的光辉，从而体现了古根汉姆在强调教育、艺术和建筑结合的同时，致力于全球的公共事业。总的来说，这些空间使基金会能够实现它尽可能收集最高质量的艺术，并且面对最广泛观众展示艺术的任务与目标。古根汉姆在国际项目上的承诺反映了它的历史、它的传统、它收藏的宽度和它对卓越文化的贡献。 在2000年7月，古根汉姆与俄罗斯圣彼得堡爱尔米塔什国家博物馆（State Hermitage Museum）的合作，进一步扩展了其无界限博物馆的主张。古根汉姆美术馆馆长Thomas Krens与爱尔米塔什博物馆博物馆馆长Mikahil Piotrovsky以及俄罗斯联邦文化部部长Shwydkoi先生共同签署了一个长期合作协议，确定两机构将共同争取以下目标：

a、扩大国际文化间的联系； b、使每个美术馆的收藏能够面对更广泛的观众； c、争取能够补充机构的收藏的藏品共享战略的实现； d、实现联合的展览、出版、教育、以及各项活动。

这次合作的一个重要的部分是实现博物馆的扩展以及探索世界各不同地区的文化发展机遇。其合作的第一个具体项目是于2001年10月，在内华达州建立新的古根汉姆爱尔米塔什美术馆（the Guggenheim Hermitage Museum in Las Vegas），该建筑由获得普利兹克建筑奖（Pritzker Prize）的建筑师库哈斯(Rem Koolhaas）设计。被称为“宝石盒子”的新馆，就如同它的名字，是一个属于古根汉姆和爱尔米塔什博物馆展示他们重要作品的美术馆。它的首展标题为 “杰作与大收藏家：印象派画家和早期现代主义绘画—来自爱尔米塔什与古根汉姆美术馆”（Masterpieces and Master Collectors: Impressionist and Early Modern Painting from the Hermitage and the Guggenheim Museums）。展览突出了艺术作品与收藏者的联系，而这些收藏者的鉴赏力对于每个艺术机构的形成又起着至关重要的作用。

同时，古根汉姆也是爱尔米塔什博物馆在俄罗斯发展原总参谋部大楼东翼建筑项目的合作伙伴。原总参谋部大楼东翼，为一个面积为38，000平方米，位置紧邻圣彼得堡白宫，于19世纪早期根据意大利建筑师Carlo Rossi设计的图纸修建的建筑。为了推动这一项目，也为了培养和支持古根汉姆与爱尔米塔什在艺术、建筑、设计以及教育领域的其他合作项目，双方于 2002年成立爱尔米塔什古根汉姆基金会（the Hermitage Guggenheim Foundation）。而新基金会的首要项目就是支持和保证总参谋部大楼革新的实行。

在2001年1月，古根汉姆和爱尔米塔什博物馆迎来了另一个庞大的机构加入他们的合作：奥地利维也纳艺术史博物馆（Kunsthistorisches）。三重联盟保持了古根汉姆与爱尔米塔什博物馆之间原定的战略性目标，并共同举办了几个展览，其中时间最近的一个为：“穿越时间的艺术：从提香到毕加索”（Art through the Ages: Masterpieces of painting from Titian to Picasso），在古根汉姆爱尔米塔什美术馆展出。从展览本身来说，它是十分壮观的，追寻了从15世纪文艺复兴艺术到20世纪现代艺术的历史，囊括六个国家的绘画。展览作品来自三大艺术机构的收藏—古根汉姆、爱尔米塔什和维也纳艺术史博物馆。在此基础之上，这个展览又体现了一个文化机构间国际合作的新水平。因为联盟之间的结合，使这个展览成为也许是世界上规模最大的文化艺术制品的集中展示，而它在设计规划与藏品共享方面的创新，使其具有能够展示完整艺术时期的展览和开展从史前到现在的学术研究项目的潜力。

众所周知，爱尔米塔什和维也纳艺术史博物馆在某些领域的收藏如百科全书一样，是十分丰富的。对于古根汉姆来说，尽管拥有历史上六十年内的丰富收藏，但接近新的藏品领域，无疑也是一个重要的进展。在1959年开放它著名的由赖特设计的建筑之前，所罗门·R·古根汉姆美术馆就已经20岁了，而它的收藏已经有三十多年的历史。不同于其他大约与其同时建立在纽约的美术馆—— 以美国艺术的系列收藏而闻名的惠特尼美国艺术馆（the Whitney Museum of American Art），以对现代主义文化的关注与丰富收藏而著名的纽约现代艺术博物馆(the Museum of Modern Art）——古根汉姆美术馆的开始是为了一个明确的美学观念：艺术中的非具象 (non-objectivity in art）。这一观念被美术馆第一个馆长Hilla Rebay明确阐述，被康定斯基（Wassily Kandinsky）用视觉的方式呈现出来，被所罗门·R·古根汉姆美术馆所支持，这一集中于单纯的具有绘画性的抽象风格的收藏理念虽然特殊，但却促进美术馆重要系列作品的收藏。

欧洲的文艺青年如何救了一座城？

所罗门古根海姆博物馆是一个艺术爱好者必须看到的。这是一座抽象的现代建筑，位于大都会博物馆以北的第五大道上，收藏着上个世纪艺术家的作品。海伦·弗兰肯塔勒（Helen Frankenthaler）的色彩场抽象画、皮埃特·蒙德里安（Piet Mondrian）的早期风景画和瓦西里·康定斯基（Wassily Kandinsky）的戏剧色彩只是博物馆螺旋形画廊中令人惊叹的一些作品。这座由弗兰克·劳埃德·赖特设计的建筑本身就是700多幅草图、6幅工作草图以及13年从委托到剪彩的奇妙产物。? 加在一起，古根海姆不仅仅是它各个部分的总和。这座建筑是纽约市一英里博物馆的固定设施，其名气之大，足以成为艺术的主题。最近从当代艺术家Sara Cwynar和Jamian Juliano Villani手中收购的作品，以及抽象表现主义之后的雕塑等引人入胜的展品，展示了纽约最具色彩的机构之一的持续演变。古根海姆一家是谁？

所罗门·古根海姆和女儿芭芭拉·约瑟芬·古根海姆·奥布雷，1915年至1920年之间。

1847年，一位名叫迈耶·古根海姆(MeyerGuggenheim)的瑞士移民来到美国发财。他嫁给了一位同为瑞士移民的人，并开始从事矿生意。随着业务的发展和冶炼业务的扩大，这对夫妇在接下来的25年里有了10个幸存的孩子。随着家庭规模的增加，古根海姆家族的财富也在增加，直到他们成为美国镀金时代最杰出的公民。? 古根海姆一家的孩子们继续着他们家族的商业利益，同时过着自己迷人的生活。其中一个儿子本杰明·古根海姆(Benjamin Guggenheim)不幸地死在了泰坦尼克号1912年的沉船事故。报纸报道了他那著名的勇敢的话：“我们打扮得尽善尽美，准备像绅士一样走下去。”? 本杰明的女儿佩吉有一天，她把自己的个人艺术收藏添加到古根海姆的收藏中，这些收藏是由她父亲的哥哥所罗门·R·古根海姆(SolomonR.Guggenheim)创立的。所罗门生于1861年，在瑞士接受教育。他也从事矿的家族生意；他还在阿拉斯加创立了育空黄金公司。古根海姆家族以慈善事业而闻名，他们捐赠医院的分支、大学大厅和建立基金会来纪念失去亲人的人。所罗门·古根海姆和希拉·冯·雷拜

1957年11月正在建造的古根海姆。?

一个家族的中子，所罗门·古根海姆19世纪末，他开始和妻子艾琳·罗斯柴尔德·古根海姆一起收藏艺术品。1919年以后，他决定全身心地投入到实践中去。1928年左右，他遇见了希拉·雷拜他是德国男爵夫人和抽象画家，激发了古根海姆对鲁道夫·鲍尔和瓦西里·坎丁斯基等现代艺术家作品的兴趣。尤其是康定斯基，在1930年参观了古根海姆的工作室后，他将成为古根海姆的最爱。在他的一生中，古根海姆获得了150的康定斯基的作品。? 雷拜和古根海姆一起开始收集现代艺术，偶尔在广场酒店的套房里摆放展品。根据他的同名博物馆，古根海姆说：“每个人都告诉我，这些现代的东西是铺位。所以，由于我一直对人们告诉我的是铺位感兴趣，所以我决定在现代艺术中必须有美。我深深地感受到了那些画，我希望它们能和我一起生活。”他和雷拜对现代艺术的奉献将是最近最令人印象深刻的个人艺术收藏之一。弗兰克·劳埃德·赖特大厦

为了提升博物馆的空间，古根海姆找到了一位著名的美国建筑师。弗兰克·劳埃德·赖特创造出一座现代建筑，值得他不断增长的收藏。该项目于1943年投入使用，但由于战时和其他延误，博物馆直到1959年才向公众开放。? 赖特的设计特色是一个带有偏置画廊的螺旋坡道，一个带有天窗的大型室内中庭，以及几乎令人眼花缭乱的混凝土白色方案。遗憾的是，无论是赖特还是所罗门·古根海姆都没有见证新博物馆的开幕。当年早些时候，赖特去世了，而古根海姆则于1949年去世。为了纪念他，博物馆改名为所罗门·古根海姆博物馆。

纽约古根海姆博物馆的螺旋内部，2019年。

现代收藏使命

“工厂烟囱的景观”，瓦西里·康定斯基著，1910年。现在在古根海姆博物馆举行。

20世纪50年代初，雷拜的馆长任期结束后，历任馆长扩大了博物馆的关注点，将现代艺术的具象作品和纯粹的抽象作品都包括在内。印象派作品也包括在内，从贾斯汀·K·萨恩豪瑟(Justin K.Thannhauser)等艺术品交易商那里获得了大量私人收藏。? 上世纪90年代，Kandinsky和Modigliani的作品销售为扩建和翻修提供了资金。在21世纪初，萨克勒艺术教育中心被增加，以提高该博物馆的奖学金和推广潜力。目前，基金会和古根海姆博物馆是在理查德阿姆斯特朗的指导下，他在2008年掌权，并继续扩大博物馆的藏品。今日的古根海姆博物馆

古根海姆博物馆毕尔巴鄂，由弗兰克盖里设计在毕尔巴鄂，西班牙。

今天，所罗门·古根海姆基金会除了第五大道旗舰博物馆外，还经营着几家博物馆。位于西班牙毕尔巴鄂的古根海姆博物馆毕尔巴鄂是由弗兰克·盖里19年开业。的佩吉古根海姆收藏品是18世纪的。帕拉佐那是晚些时候的房子佩吉·古根海姆现代和未来主义作品的个人收藏。越来越多的机构来了。阿联酋阿布扎比的一个新博物馆在未来几年内建成。? 对于那些不能参观这些地方的人来说，古根海姆博物馆也把他们最著名的作品放在网上供大家看。探索他们收藏有1700多件艺术品，受到现代艺术中最优秀的作品的启发。?

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原标题：欧洲的文艺青年，用一间博物馆救了一座城

虽然近八成赫尔辛基民众反对古根海姆博物馆对城市的“入侵”，但他们不得不承认，该博物馆在上世纪末完成了对毕尔巴鄂的“救市”。

救市，拯救城市。全球连锁的私人博物馆收起姿态，转向欧洲二三线城市，在日渐衰落的西班牙港口城市毕尔巴鄂建立分馆，靠毕加索、康定斯基的画作吸引游客，带动产业，拉动内需，刺激经济，惠及三产，复兴城市……

一切的一切，似乎都在对赫尔辛基隔空喊话：喂，博物馆能“救市”呢。在城市复兴的诱惑面前，赫尔辛基愿意接受古根海姆吗？

毕尔巴鄂景色怡人，同时拥有森林、山区、海滩和海岸景色，每年吸引无数游人前来观光休闲。图/图虫创意

“这就是欧洲文艺青年的文化苦旅。”

16世纪时，毕尔巴鄂与巴塞罗那、瓦伦西亚一道构成了西班牙海上霸权的三大对外窗口。随后，荷兰及英国的崛起，令伊比利亚半岛的西班牙倍显尴尬，于17世纪让出海域统治权，毕尔巴鄂也随之衰落。到了19世纪，这座城市误打误撞地与铁矿和煤炭挖掘结缘，由此大踏步迈入工业社会。

但工业城市产业结构的单一，以及自20世纪以来新能源、新燃料的冲击，毕尔巴鄂的经济发展欠缺新增长点。再加上1983年那场不期而至的洪灾，城市变得千疮百孔，环境恶劣。其时再谈起“欧洲钢铁、造船中心城市”的头衔，都会惹人发笑。

毕尔巴鄂是西班牙巴斯克自治区原来的航海人聚落，以出口铁矿石和制造铁器闻名。图/视觉中国

工业城市如何在后工业时代转型？学者冯原认为，自博物馆、动物园和博览会在19世纪陆续构成现代社会的文化开端后，多元文化取代工业体系，已成社会发展主流趋势。而与19世纪前博物馆相对隐蔽、只供国家皇室成员内部观赏的特点不同，大型公共博物馆的出现（如卢浮宫），表征性地宣示了现代社会发展文化趣味的大势已经来临。对于毕尔巴鄂这类工业衰落性城市来说，舍弃钢筋、水泥味的工业化跃进，拥抱全球化多元文化，就显得尤其重要。

“毕尔巴鄂毕竟与纽约、巴黎不同。”冯原说。在纽约，在巴黎，全球性大都市的定位已然成型，文化产业只是其中程序化的一环，而非能挽救城市于水火的杀手锏。“毕尔巴鄂不同。文化、收藏、艺术品甚至旅游，在工业化大干快上的节奏下被暂时抛弃了，现在是时候捡起来了。”

雕塑家路易斯·布尔乔亚的“大蜘蛛”已经成了毕尔巴鄂古根海姆的又一标志。图/hiart

于是古根海姆博物馆来了。这对于1300年才建市的毕尔巴鄂来说至关重要。由于历史不长、景点不多、名人甚少、风俗不佳，这座西班牙北部小城，亟需引进一项文化工程，为城市名片进行个性化勾芡。

“这就是欧洲文艺青年的文化苦旅。”多年之后，为毕尔巴鄂引进古根海姆博物馆的决策者们如此调侃。你可以在毕尔巴鄂的古根海姆博物馆看到其他展馆无法展出的画作：毕加索、康定斯基、保罗·克利、安赛尔姆·基弗……一个博物馆最吸引人的地方，不在于它策划和举办了多少场国际性展览，而是其收藏的展物及作品是否能够达到观展者的需求。显然，古根海姆博物馆能做到。

坐落在毕尔巴鄂古根海姆博物馆外杰夫·昆斯设计的“普利狗”。图/视觉中国

古根海姆博物馆对于毕尔巴鄂究竟有多重要？先来看一组数字：19年古根海姆毕尔巴鄂博物馆正式投入使用，总耗资为12.7亿美元（约合人民币108亿元）。博物馆建成的第一年，毕尔巴鄂吸引了130万名参观者，区域经济活动因此增加2.1亿美元，当地将其中的3000万美元收入囊中。

世纪之交时，博物馆直接门票收入占毕尔巴鄂全市总税收的4%，带动的相关收入占比超20%以上。仅6年时间，博物馆启动项目的资金全数收回，还为毕尔巴鄂所在的巴斯克地区带来1.5亿欧元的收入。

毕尔巴鄂古根海姆博物馆堪称“我们时代最伟大的建筑”。

古根海姆博物馆改变毕尔巴鄂的现象，被称为“毕尔巴鄂奇迹”。其实更奇迹的，是这座博物馆的建筑本身。在建筑大师菲利普·约翰逊看来，毕尔巴鄂古根海姆博物馆是建筑史上不可多得的曼妙之作，甚至给出了“我们时代最伟大建筑”的最高评价。

有着张狂、直接性格的弗兰克·盖里，为毕尔巴鄂设计的古根海姆博物馆成为古根海姆全球连锁模式中的标准模板：华美、奇异、金光闪烁。博物馆位于内维隆河南岸的艺术区域，衔接毕尔巴鄂新老城区。建筑材料是玻璃、钢和石灰岩，并由外覆钛合金板的不规则双曲面体量群组合而成。

博物馆外部整体形态呈现出各个方向弯曲的双曲面，随着日光照射，各角度反射出不同的流光。在内维隆河水的映衬下，北侧的三层展厅更显曲线和动感。

毕尔巴鄂古根海姆博物馆内部的设计，完全不逊于外观，展现了西班牙的奔放与动态美。图/视觉中国

冯原曾以建筑的功能与形态为切入点，对不同时期的城市建筑进行分类。以法国凯旋门为代表的、彰显国家宏大精神的建筑，他称为“样式—意识形态对称”；以广州陈家祠为代表的、突出体现社会地位及等级制度的建筑，则称为“样式—等级对称”；而以CCTV大楼为代表，在20世纪末后现代主义思潮回炉的背景下，由明星建筑师设计出的建筑，被称为“样式—个性对称”。

毫无疑问，古根海姆属于后现代的“样式—个性对称”建筑模式，弗兰克·盖里的天马行空，让毕尔巴鄂古根海姆博物馆显得动静相宜。

与毕尔巴鄂古根海姆博物馆不同，广州陈家祠突出体现了社会地位及等级制度，被称为“样式—等级对称式建筑”。图/视觉中国

博物馆内部的设计，完全不逊于外观，展现了西班牙的奔放与动态美：顶层的曲面层叠起伏，不羁地奋力向上。灯光因此能够倾泻而下，打散了简单几何秩序性的冲力。

“到了这里你会有一种想把帽子摘下，往天花板上扔的冲动。”盖里解释道。这位1989年普利茨克奖获得者认为，建筑和艺术本应如此，“随意，灵动”。

应该支持艺术家吗

创意的建筑师之一设计的。他从19世纪80年代开始从事这一行已很长时间，包括设计了美国的两座建筑—罗比住宅和流水别墅。他一直工作到1959年去世。

美国纽约市的所罗门.R.古根海姆博物馆坐落在一条街道的拐角处，看上去就像一条巨大的白色弹簧。

这座极其漂亮、无与伦比的建筑建成于1959年。建筑物的外部向上、向外螺旋上升，内部的曲线和斜坡则通到6层。螺旋的中部形成一个敞开的空间，从玻璃圆层顶光。左图：古根海姆内一条长长的螺旋通道伸向不同部位或长廊的地板。

该博物馆保存了所罗门.R.古根海姆有现代艺术收藏品，因此该馆以个的名字来命名。许多展品由金属杆悬挂着，看起来似浮在空中。按照传统，博物馆在沿大厅四周的墙 上展览艺术作品。但古根海姆打破了传统的惯例。

古根海姆博物馆的外部非常朴实无华，只是将博物馆的名字装饰了一下。平滑的白色混凝土覆盖在墙上，使它们仿佛更像一座巨大的雕塑而不是建筑物。右图：古根海姆博物馆坐落在纽约市的一个拐角处。它与其他任何建筑物都迥然不同。

古根海姆博物馆位于毕尔巴鄂市内由贝拉艺术博物馆、大学和老市政厅构成的文化三角的中心位置，可由该市商业区及老城区直接前往参观。作为博物馆主入口的巨大中庭设有一系列曲线形天桥、玻璃电梯和楼梯塔，将集中于三个楼层上的展廊连接到一起。一个雕塑性的屋顶从中庭升起，透过玻璃窗投射进来的光线倾泻到整个中庭内。该中庭具有前所未有的巨大尺度，高于河面达50m以上，吸引着人们前来参观这个独特的纪念性场所。

博物馆要求提供能够展示三类艺术作品的空间。永久性藏品布置在两组正方形展厅（每组设有三个展厅）内——分别位于博物馆的二层和三层。临时性展品布置在一条向东延伸的长条形展廊内，该展廊在“Puente de la Salve”天桥的下面穿过，在其远端的一座塔楼内终止。当代在世艺术家的展品则布置在散布于博物馆各处的一系列曲线形画廊内，以便和永久性藏品及临时性展览同时观赏。

博物馆的主要外墙材料为西班牙石灰石和钛金属板。其中较为方正的建筑造型用了石灰石，而比较自由的塑性造型则用了钛金属板贴面。大片的下班幕墙构成了城市中一道壮观的河畔美景。

毕尔巴鄂古根海姆博物馆的设计受到了所在城市的尺度与肌理的影响，让人联想到弗廊特河畔那些历史建筑，从而体现出建筑师对当地历史，经济及文化传统的关注和回应。

著名的现代艺术博物馆古根海姆博物馆总部坐落在哪个国家

是否应该补助艺术是长久以来争论的议题。 虽然历史证明，艺术曾受到过梅迪奇(Medici)家族的王公贵族、奥地利的帝王、英国的国会议员以及法国共和政体的津贴补助。但是，应该补助艺术吗？支持者认为艺术以非营利为目的，具有公共效益，需要的保护与支持。反对者认为介入艺术会妨碍艺术的自由表达，成为宣传国家意识形态与认同的工具。 近年来，随着全球性的财政紧缩，艺术的补助日益缩减，自筹财源成为博物馆、美术馆等艺术机构的一大挑战。虽然博物馆、美术馆等艺术机构莫不希望能够投入更多的与补助，让博物馆、美术馆有足够经费去呈现高品质的展览与教育活动，但文化政策的制定不仅需要受到大众的监督，也与政策制定者对艺术的认识密切相关。因此，借“应该补助艺术吗？”这一问题，对西方艺术经济学家、社会学家关于补助艺术的观点进行分析，检视正反两方面的争论，反思艺术与博物馆的社会价值与责任，以此思考艺术补助政策机制应如何形成，也希望为我国补助艺术、规范艺术活动的政策制定寻求理论依据与参照。 赞成补助艺术的主张 在西方，一些经济学家对于补助艺术的见解，往往从艺术的外部效益问题入手，认为艺术的外部效益成为艺术获取补助的理由。以教育为例来说明什么是外部效益。教育为受教育者制造个人效益，也提供外部效益给整个社会。外部效益是每个受教育的成员给其他社会分子的利益。由于全体消费的外部效益让社会成员普遍受益，它也可被称为“集体效益”。对于教育外部效益的分析和描述，对于艺术也同样适用。虽然艺术跟教育都能提供个人效益给消费者，这些效益是人们在欣赏现场艺术表演、参观博物馆和画廊或接触其他艺术品，所得到的乐趣与教化。这些乐趣和教化被归类为外部或集体效益。那么艺术具有什么样的外部效益能成为补助的理由呢？一些西方经济学者认为： 一是艺术是留给下一代的遗产。著名经济学家鲍莫尔(W.J.Baumol)和鲍恩(W.G.Bowen)认为，保存艺术与文化作为留给下一代的遗产合乎集体效益。这个主张不仅适用于书籍、建筑遗迹，以及博物馆艺术品的保存，也适用在技艺、品位与传统维护方面要求精益求精的表演艺术。以博物馆为例，博物馆通过研究与典藏确保过去与现在的文化艺术可以继续留存，经由展示与教育，让子孙认识人类丰富的文化遗产，从而建立自己的身份认同。 二是艺术有助于提升国家声誉。有些人为受到国际认可的本国艺术家和表演者感到自豪，这些艺术家的崇高声望，因而造成某种程度的集体效益。此外，艺术有助于国家“柔性权利”的展现，从而建立国家声誉。 三是艺术有助于提升地方经济的效益或都市再生。艺术活动可以为地方经济的生产者提供外溢效益。许多经济学家认为博物馆等文化机构的存在，有助于发展地方经济或促进都市再生。艺术可以吸引外地的消费者，他们除购买当地的表演或博物馆门票外，也会在当地的商店、餐厅与旅馆消费，从而促进地方经济的发展，甚至可以增加就业机会。最知名的案例如西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆，该博物馆的建立促成衰落的城市区域再生，亦成功地塑造新的区域风格与形象，成为以艺术促进都市再生的重要案例。 四是艺术对通才教育的贡献。博物馆的主要功能就是教育。美国博物馆协会认为：博物馆是收集、保存最能有效地说明自然现象及人类生活的资料，并使之用于增进人们的知识和启蒙教育的机关。教育是博物馆存在的理由，无论是正式或非正式的教育，博物馆皆提供公众教育服务的利益与贡献。艺术是通识教育不可或缺的一部分。 五是艺术有助于参与者的社会提升。参与艺术可以磨炼我们的鉴赏力，或让我们接触到同辈中最高与最佳的成就，令我们成为更好的人。如果情况如此，那就是一种外部效益，因为大众仅通过参与艺术来寻求个人的满足。倘若那个人的行为举动在过程中有所改进，对他人来说也是好事，对参与者来说就是外部的。 六是艺术鼓励艺术创新。创新是经济发展的一大来源，并可以申请专利保护。但是艺术领域的创新却无法享有专利权，诸如画作、乐曲或是编舞等特定艺术作品，会受到著作保护权。但对特定作品的创新原则——像新的绘画技术或新舞风——著作权并不能提供任何保护，并且艺术实验创作不仅花钱，也很容易失败。当它失败时，试图这么做的艺术家或非营利团体必须承担所有成本。但当它成功时，发明的人并不能阻止其他人免费使用这种新技术。这类情况越来越多，就会阻碍想要改革艺术的人，结果他们的实验创作便远低于社会期待的数量。因此，从创新的角度来看，这也是补助艺术的理由。 反对补助艺术的主张 “补助”本身就蕴含着不平等的权力作风，因为任何干预都让民众没有办法明智的选择。因此，反对补助者忧心国家机器通过补助政策介入艺术的发展，将导致艺术丧失自主性，成为宣传国家意识形态与认同的工具。因为通过补助，有权力决定何种是“好”的艺术与展览，博物馆也可能因为主政者的品位而独厚某些类型的展览。到底何种艺术才是“艺术”？何种艺术才是“好”的艺术？补助政策似乎凸显了此项议题的矛盾性。例如美国参议院赫尔姆斯(Jesse Helms)对抗美国国家艺术基金会(NEA)就是一知名的案例。1989年，由NEA资助的艺术家麦博索尔普在《完美时刻》(The Perfect Moment)展览中展出与同性恋有关的作品。 展览组织者是宾夕法尼亚大学当代艺术学院，获得了3万美元的NEA补助，在费城、芝加哥、华盛顿等城市巡回展出。该展览触怒了参议员赫尔姆斯，导致参议院投票表决制止NEA支持“*秽或粗鄙”的作品。该突显出艺术自由与权力掌握之间的角力问题，也是公众、国会审美与艺术界的专业审美标准冲突的结果。 此外，补助政策亦常牵涉到公平议题。到底津贴补助是富人付费帮助穷人，或是反之亦然？现行的收入分配如何影响接触艺术的机会？是否收入的不公令穷人无法完全接触艺术与文化，以至成为公共津贴补助的理由？正是基于权利与公平的争论，并非所有的社会学家或经济学家都赞成补助艺术。在反对公共津贴补贴艺术的诉求中，最激烈的要算社会哲学家欧内斯特·凡·登·哈格(Ernest van den Haag)。 哈格在《应该补助艺术吗》一文中从三方面表明反对补助艺术的立场：哈格认为没有好的社会政治理由，让强迫纳税人津贴补助筛选出来的艺术。他认为美国博物馆的藏品跟美国的民族生命没有关系，对国家的凝聚力或认同并没有贡献。如果补助艺术，这么做就是强迫所有阶层津贴补助中产阶级。这么做反倒是伤害，而非帮助真正有价值的艺术创作。哈格认为就真正的艺术创作来说，的津贴补助其实是弊多于利。他认为无法分辨艺术的好坏，因而会一视同仁分配津贴补助。但如果以一视同仁的方式来分配款项，就会吸引冒充的艺术家，大笔的预算会浪费在制作货上。更糟糕的是，当津贴补助建艺术的世界之际，真正的艺术家更难成功。 补助是文化艺术政策的重要手段之一。从以上的分析中，我们可以了解到艺术对社会整体带来的外部效益。其中最为重要的是为下一代保存文化遗产，以及源自艺术创新的集体效益。也有一些社会学家从权利与公平的角度，反对补助艺术。这些争论对于时下我国迅速发展的当代艺术以及博物馆建设具有重要的理论指导作用。在当下，随着我国大力发展文化创意产业，当代艺术和博物馆等非营利机构都被纳入到文化创意产业的领域，文化产业政策有取代文化艺术政策的趋势。在这样的情况下，更有必要讨论国家艺术支持的规范性、政策性与合法性。如何让对艺术的补助更有效率与效益，健全补助机制 ，是文化政策制定者必须要解决的问题。

古根海姆博物馆的产业影响

古根海姆博物馆是索罗门·R·古根海姆（Solomon R.Guggenheim)基金会旗下所有博物馆的总称，它是世界上最著名的私人现代艺术博物馆之一，也是全球性的一家以连锁方式经营的艺术场馆。古根海姆基金会成立于1937年，是博物馆的后起之秀，发展到今天，古根海姆已是世界首屈一指的跨国文化投资集团。其中，最著名的古根海姆博物馆为美国纽约古根海姆博物馆和西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆。

古根海姆博物馆是世界上著名的私立现代艺术博物馆，创办于1937年，以连锁方式经营，是一个博物馆群，总部设在美国纽约，在西班牙毕尔巴鄂、意大利、德国柏林和美国拥有4处分馆。

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文化产业的魔力

在中国文化部和中国国家文物局的支持下，1998年，美国古根海姆基金会与中国对外艺术展览中心、中国文物交流中心合作，曾在美国纽约古根海姆博物馆和西班牙毕尔巴鄂古根海姆博物馆 举办“中华5000年文明艺术展”。

在纽约45万观众观看展览，感受到中华文明的博大精深。

在西班牙毕尔巴鄂，每天观众如潮。等候参观“中华5000年文明艺术展”的人们排成长长的队伍，往往行至一两小时后才可能进入展厅。毕尔巴鄂城本地人口36万，而参观展览的观众达到54万人次。也就是说，超过城市总人口1.5倍的观众参观过“中华5000年文明艺术展”，其中从欧洲各国和西班牙各地赶来的观众超过30万。

一个艺术展览几个月内接待近100万观众，创造世界展览史上的奇迹。展览的门票收入超过1000万美元，加上带动展览相关产品的出售，展览组织者得到不菲的经济收入。